Галерея Уффици во Флоренции дата основания 1581 год. Галерея Уффици во Флоренции – один из самых посещаемых художественных музеев мира. Здесь собраны уникальные произведения искусства: картины художников от Средневековья до наших дней, прекрасно сохранившиеся античные скульптуры, гобелены и миниатюры. Коллекции галереи Уффици считаются одними из самых старых в Европе. В наши дни художественные коллекции размещены на площади 13 тысяч м². История галереи начинается с того момента, когда тосканский герцог Козимо I Медичи решил разместить все правительственные структуры в одном помещении. Залы дворца Уффици должны были охватить 13 разрозненных государственных канцелярий Флоренции. Строительство здания было начато придворным архитектором Джоржио Вазари в 1560 году и закончено в 1581 году его преемником Бернардо Буонталенти. После смерти Козимо I, его сын Франческо I Медичи, первым из герцогского рода, решил разместить на верхних этажах дворца Уффици семейные ценности – картины, миниатюры и античные скульптуры. С этого момента начинается формирование уникальной художественной коллекции, развитие которой продолжил Фердинандо I Медичи до своей смерти в 1609 году. В конце 17 века жена Фердинандо II, Виктория делла Ровере герцогиня Урбинская, перевезла и разместила в галерее Уффици исключительное собрание живописи великих итальянских художников, которое получило название «наследие Урбино». Последняя представительница рода Медичи Анна-Мария-Людовика, в 1737 году передала коллекцию новым герцогам тосканским – австрийскому семейству Лорена, которые не только сохранили, но и приумножили богатство галереи.
«Портрет Карла Медичи», Андреа Мантенья 1459–1466г. Главная особенность портретов Мантеньи в их реалистичности. В случае с этой картиной, художник выбрал темный, почти непроницаемый фон, чтобы акцентировать внимание зрителей на модели. С этой же целью он выбирает погрудную композицию. Ракурс выбран на редкость удачно: не в профиль, а разворот три четверти, художник при этом находится немного снизу. Все это добавляет образу достоинства и героических черт. Карло Медичи, сын легендарного Козимо Медичи, изображен как суровый и неприступный аскет. Образ человека с несгибаемой волей усиливается благодаря еще одному приему: Мантенья использует скупую цветовую гамму. В ней доминируют красные тона одежды Карло, а лицо с бронзовым загаром резко выделяется на изумрудном фоне.
«Благовещание», Леонардо да Винчи 1472-1475г. Поначалу авторство этой картины приписывали флорентийскому мастеру раннего Ренессанса Доменико Гирландайо. Но позднее искусствоведы пришли к выводы, что работа принадлежит кисти самого Леонардо да Винчи. Более того, на сегодняшний день она считается самой ранней из его известных картин (он начал писать ее, когда ему исполнилось 20 лет). Сюжет полотна таков: дева Мария сидит у дверей монументального здания, а перед ангел в колено-преклоненной позе. Он только что опустился на землю и готовится произнести судьбоносные слова благой вести. Ясность, покой и простор, отличающие эту композицию, отмечают начало эпохи Высокого Возрождения.
«Крещение Христа», совместная работа Леонардо да Винчи и Андреа дель Вероккьо создана приблизительно в 1475г. В работе над картиной принимали участие несколько мастеров. Кисти Леонардо да Винчи принадлежит левый ангел и пейзаж на заднем фоне. Мастер принял решение изобразить своего ангела коленопреклоненным, с лицом, повернутым к главным персонажам священнодействия. И со взглядом, поднятым к верхней части композиции — там происходит таинство воссоединения Бога Отца, Бога Сына и Святого Духа. К зрителю ангел Леонардо обращен почти спиной. Но драматургия сюжета оправдывает такую постановку фигуры и позволяет воспринимать ее естественно. После завершения полотна такое положение фигуры станет визитной карточкой Да Винчи, а само «Крещение Христа» займет почетное место в числе шедевров.
«Рождение Венеры», Сандро Боттичелли 1482-1486г. Идею картины Боттичелли позаимствовал у поэта Анджело Полициано, вдохновенно описывавшего рождение богини. Считается, что прообразом Венеры — эталона женской привлекательности — стала Симонетта Веспуччи, первая красавица своего времени. В числе ее ухажеров были Лоренцо Великолепный и его брат Джулиано Медичи (оба из богатейшей династии). По легенде, богиня красоты родилась из капель крови Урана — они упали в морскую воду и, соприкоснувшись с ней, превратились в воздушную пену. А уже из нее вышла обнаженная Венера. Благодаря попутному ветру, она на раковине добралась до Кипра и там впервые ступила на землю. Автор главного шедевра Уффици следует легенде, изображая красавицу в тот момент, когда она готовится сойти с раковины. На земле ее поджидает одна из граций. Раковина покачивается на волнах, подгоняемая ветерком и дыханием Зефира и его подруги Хлориды. Но Венера застыла в нерешительности перед тем как сделать шаг. Эта картина предназначалась для Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи — заказчика полотна. Какое-то время «Рождение Венеры» украшало его виллу в Кастеллу, пока Лоренцо также отчаянно добивался расположения Симонетты Веспуччи.
«Весна», Сандро Боттичелли 1482г. В 1470-х годах Боттичелли сближается с семейством Медичи и кругом флорентийских гуманистов. Новое окружение пробуждает у художника интерес к античным и аллегорическим сюжетам. Обращение Ботичелли к мифологии было новаторством: предыдущее поколение мастеров не создавало больших полотен, посвященных богам и героям древности. Боттичелли берет на себя смелость стать первопроходцем. И изобретает иконографию подобных сюжетов, взяв за образец древние античные скульптуры. На картине «Весна» изображено царство Венеры, как цветущий сад. Над головой богини ее постоянный спутник — Купидон. Слева три грации сплели руки в неспешном танце. Сад любви охраняет опоясанный мечом Меркурий. Справа богиня Флора рассыпает цветы, как символ молодости и весеннего обновления. Огромное полотно, написанное для виллы Медичи в Кастелло в пригороде Флоренции, было центральной частью композиции, повествовавшей о божественной любви.
«Клевета», Сандро Боттичелли 1495г. Картина Сандро Боттичелли это аллегорическое полотно, на котором описана история, позаимствованная у одного известного в прошлом живописца Апеллеса. Говорят как то Апеллес по случайному стечению обстоятельств попал в египетский город, в котором правил давний его недруг царь Птоломей. В этом городе так же жил один его знакомый художник, который завидовал успеху Апеллеса. В один из дней незадачливый художник обратился к Мидасу с обвинениями в адрес Апеллеса. Он обвинил его в заговоре против царя Птоломея. В результате Апеллес попал в тюрьму, но один из заговорщиков открыл правду. Птоломей выпустил Апеллеса из тюрьмы и даже вручил ему в качестве раба его обвинителя. Под впечатлением этих происшествий Апелес и написал картину “Клевета”. До наших дней дошло только подробное описание картины, которую и воспроизвел Боттичелли. На картине мы видим десять разных персонажей – это аллегорические Правосудие, Подозрительность, Невежество, Коварство, Обман, Зависть , Ложь, Невиновность, Истина и Раскаяние. На переднем плане на троне восседает царь Мидас. Он и исполняет роль земного Правосудия. Он внимательно слушает как в его ослиные уши что-то шепчут Подозрительность и Невежество. Прямо напротив мы видим человека в темной одежде – Зависть, которая протягивает руку к Мидасу. Зависть ведет под руку красивую девушку. Это и есть Клевета. Она прекрасна и невинна, как непорочная дева. Ее косы украшают лентами Коварство и Обман. В свою очередь Клевета тащит за волосы обнаженного юношу, который сложил свои руки в молитве. Этот юноша – Невиновность. Он как бы молит о справедливости, но к сожалению этого персонажа на картине нет. Интересно, что две оставшиеся фигуры находятся немного в стороне, их никто не слушает и не обращает на них внимания. Это еще одна прекрасная обнаженная дева – Истина. Она стоит, как фарфоровая статуя, направив свои персты к небу, а рядом, глядя на Истину стоит сгорбленная фигура в черных одеждах – Раскаяние.
«Автопортрет» Рафаэль написанный около 1504-1506г. Юноша с вдохновенным лицом, лицом молодого гения - таков Рафаэль, смотрящий на нас с автопортрета. От его облика исходят спокойствие и небесная гармония, которыми отличается вся живопись художника. Колорит этой картины подчеркнуто сдержан - нейтральный фон, темные волосы, такая же шапочка. Между темным одеянием и кожей теплого цвета виднеется узкая белая полоска рубашки - в этом тончайшем переходе от глухого черного к живым тонам лица и шеи - весь Рафаэль, чувствовавший глубинные законы живописи.
«Тондо Дони» или «Мадонна Дони», Микеланджело Буонаротти приблизительно 1504-1506г. Несмотря на то, что Микеланджело превозносил скульптуру, а живопись занимала в его творчестве второстепенное значение. Номер один в этом списке — «Святое семейство» («Тондо Дони»). Это полотно Микеланджело исполнил для своего друга, зажиточного флорентийского купца Аньоло Дони. В итоге картина стала единственным станковым произведением в истории творчества художника. Причем, как утверждают историки, на выполнение заказа он мог согласиться не из-за денег, а в силу соперничества с Леонардо да Винчи. Тот как раз вернулся во Флоренцию и только-только представил на суд горожан новую картину «Св. Анна». Главное в картине Микеланджело не сюжет. Со свойственным только скульптору чувством формы и энергии движения он создает «живописный рельеф».
«Мадонна с щегленком», Рафаэль 1505-1506г. Во время первого пребывания во Флоренции Рафаэль написал ряд картин с изображением Мадонны. Он видит Деву Марию цветущей женщиной с округлым ликом и правильными чертами лица. Работа «Мадонна с щегленком» была написана для друга Рафаэля, Лоренцо Нази, состоятельного флорентийца, сочетавшего занятие торговлей с увлечением живописью. Нази только что женился и сразу после знаменательного события заказал картину. Возможно, поэтому она наполнена радостью и лиризмом. Мария поддерживает рукой маленького Иоанна Крестителя, который, играя, протягивает Младенцу Христу щегленка. Примечательный мотив — Христос, опирающийся ножкой на ногу матери, — Рафаэль заимствовал у изваяния Микеланджело «Мадонна Брюгге».
«Флора», Вечеллио Тициан приблизительно 1515-1517г. Фигура Тициана по значимости для итальянского Возрождения стоит в одном ряду с Леонардо да Винчи, Рафаэлем и Микеланджело. Всю свою долгую жизнь художник не оставлял кисть — последним его произведением была картина для собственного надгробия. Слава Тициана простиралась далеко за пределы Италии: его приглашали ко французскому двору, для исполнения заказов папской курии, ко двору императора Священной Римской империи. И все же Тициан оставался верен Венеции: после выполнения той или иной работы он возвращался в дорогой сердцу «город на воде». «Флора», как и все картины того периода, она отличается гармонией и восхищением красоты. Женский образ прекрасен, наполнен чувственностью, излучает красоту и радость молодости. На многих его полотнах мифические богини, лишенные героизации и отстраненности, превращаются в реальных женщин.
«Мадонна с длиной шеей», Пармиджанино приблизительная дата написания картины 1535-1540г. Пармиджанино считается одним из величайших живописцев своего времени (прозвище он получил по месту рождения — житель города Парма). Он увлекался алхимией, и в каждой из работ Пармиджанино на суд зрителю представляется некий вариант преображенной мистической реальности: серебристый колорит обволакивает непропорционально удлиненные формы утонченных фигур. Пармиджанино вносит свой вклад и в искусство маньеризма. Ему принадлежит так называемая техника «змеевидного контура», — в рисунке, драпировках тканей, жестах и позах персонажей преобладают волнообразные линии. Мадонна сидит в нарочито неестественной позе, будто вот-вот соскользнет с края кресла. Одной рукой поддерживает младенца, другую в неуверенном жесте подносит к груди.
«Венера Урбинская», Вечеллио Тициан 1538г. Тициан – венецианский художник, чье творчество пронизано жизнелюбием и поклонением женской красоте. В его творчестве преобладала религиозная тематика, но он также писал и многочисленные портреты. Женские образы давались Тициану особенно хорошо. Это были и портреты простых женщин, и изображения куртизанок, занимавших в то время высокое социальное положение. Так или иначе, все они демонстрировали притягательность женского тела. Одним из известнейших творений мастера является картина «Венера Урбинская». Считается, что она была написана по заказу герцога Урбинского Гвидобальдо II дела Ровере в подарок невесте. Кто стал прототипом к написанию образа Венеры, точно не известно. Но есть версии, что художник писал портрет юной невесты Гвидобальдо II Джулии Варано с матери герцога. Так как на момент написания картины Джулии было всего 10 лет Интересно, что интерпретируют холст и символы на нем по-разному. В большинстве случаев, критики склоняются к мнению, что картина несет в себе иносказательный смысл, аллегорию брака. Так розы являются символом женского плодородия, мирт на окне – символом брачной жизни, а собачка, спящая в ногах девушки – символом верности. Две служанки у сундука занимаются приданым невесты, что также свидетельствует о том, что это свадебная картина. В то же время чистота образа девушки подчеркивается белизной белья, на котором она возлежит. Ее тело как бы светится на фоне темного интерьера. Используя прием сфумато, художник смягчает границы пышных форм. Их будто окутывает дымка. С помощью цветовых контрастов мастер создал чувственный образ девушки, сознающей свою красоту, хотя и выглядящей слегка смущенной. Натурально и тонко он передал детали- украшения, волосы, ткани. Впоследствии изображение Венеры Урбинской вдохновило Эдуара Мане на создание одной из самых известных его картин – «Олимпия».
«Портрет Лукреции Панчатики», Аньоло Бронзино закончено около 1545г. Аньоло Бронзино был придворным художником Медичи. Его талант в полной мере раскрылся в портретном жанре. Он часто изображает портрет на абстрактном архитектурном фоне, в торжественной позе, уделяет много внимания мелким деталям одежды и любовно выписывает фактуру ткани. А еще использует приемы маньеризма, чтобы создать декоративные эффекты красивым сочетанием цветовых пятен. Лукреция Панчатики была супругой Бартоломео Панчатики, посла герцога Козимо ко французскому двору. Портрет был заказан перед отъездом супружеской четы во Францию, где Бартоломео примкнет к гугенотам. Лукреции, пришлось многое вынести за время брака с мятежным мужем.
«Аллегория счастья», Анджело Бронзино 1564г. Иносказательным языком искусства раскрывает художник многогранность такого понятия, как счастье. Восседающая на троне молодая женщина, символизирующая счастье в центре картины в одной руке держит рог изобилия, в другой – кадуцей, являющийся знаком Гермеса, символом удачи в торговле, приносящий богатство и благополучие. Слава также в широком понимании является синонимом счастья или его неотъемлемой составляющей; в верхней части картины один ангел держит лавровый венец победителя над головой, второй в прямом смысле "трубит Славу". Спокойно и доброжелательно взирает на все это Фортуна, придерживающая свое колесо – не обошлось и без ее участия. Двуликая фигура слева напоминает о переменчивости судьбы, а справа женщина-воительница держит наготове меч, дабы охранять и защищать завоеванное счастье. У ног аллегорической фигуры ползают в бессильной ярости олицетворяющие зло мерзкие существа, лежит пораженный враг; коленопреклоненный человек, символизирует одну из главных составляющих счастья – полновластие, всеобщее признание и поклонение.
«Вахк», Караваджо около 1590-1596г. С творчеством Караваджо в искусстве Италии открывается новый стиль «барокко». Художник родился на окраине Милана и в 1592 году приехал в Рим, где на тот момент это стилевое направление уже закрепилось в архитектуре. Произведения молодого Караваджо поражали выбором тем. В ранний период он пишет ряд жанровых портретов молодых людей, изображая их в различных эмоциональных состояниях. «Вакха» можно назвать заключительной работой в этом ряду. В картине присутствует доля эпатажа: поза юноши эротична, одной рукой он готовится развязать пояс, поддерживающий его одежды. В левой руке молодой Вакх держит бокал с вином, предлагая его зрителю. Его поза и жест изящны, но если присмотреться внимательнее, то можно увидеть отталкивающе грязные ногти мальчишки.
«Голова медузы Горгоны», Караваджо 1597-1598г. Неоднозначна личность автора полотна — Караваджо. По словам современников он был крайне несдержан и обладал грубыми манерами, что и нашло отражение в сюжете «Головы Медузы». Отрубленную, истекающую кровью голову Горгоны художник поместил на круг щита. Приводящая в содрогание медуза, один взгляд на которую превращал человека в камень, сейчас и сама объята предсмертным ужасом. В этом вся суть Караваджо: он выбирал сюжеты, изображающие эмоции в момент наивысшего накала.
«Автопортрет» Иван Айвазовский 1874г. Прошедшая во Флоренции в 1874 году выставка мариниста Ивана Айвазовского имела грандиозный успех. Флорентийская Академия художеств предложила художнику написать свой портрет для одного из величайших музеев мира — Уффици.
We'd love to hear from you. Please send questions or feedback to the below email addresses.
Before contacting us, you may wish to visit our FAQs page which has lots of useful info on Tiki-Toki.
We can be contacted by email at: hello@tiki-toki.com.
You can also follow us on twitter at twitter.com/tiki_toki.
If you are having any problems with Tiki-Toki, please contact us as at: help@tiki-toki.com
Close