En el marco de la exposición Carlos Cruz-Diez: el color en el espacio y el tiempo, queremos construir en comunidad y con la colaboración de artistas, estudiantes de arte, diseño, moda, etc., una línea del tiempo digital que recoja proyectos, corrientes, artistas, autores, que hayan trabajado con el color como el elemento central de su investigación para así establecer entre todos, un contexto histórico-cultural que enriquezca nuestra perspectiva sobre el uso del color a través del tiempo y también situar la obra de Cruz- diez en la historia del arte.;xNLx;La palabra secreta para colaborar en la línea es "color".
Se tiene como dato que hace 25,000 años empezaron a manifestarse las primeras imágenes, cuando el hombre aprende cultivar la tierra y a nombrar las cosas, es donde encontramos las primeras manifestaciones de la teoría color. Lo mas primario que se tiene como noticia en cuanto a la teoría del color son las pinturas rupestres, esto con la intención de plasmarlo como un suceso real en la vida cotidiana. Hay que recordar que desde sus primeros usos el color fue plasmado con los mismos materiales que la naturaleza les otorgaba, como plantas, piedras y pieles.
Creó una secuencia lineal de los colores que pueden observarse a lo largo del día: la luz blanca de la mañana se torna amarilla, y después anaranjada, hasta volverse roja. Después del atardecer, el rojo se transforma en púrpura, y finalmente en el azul oscuro del cielo nocturno.
Académico de la universidad de Oxford que publicó en 1230 la obra De colore, basada en la obra de Aristóteles, en la que como parte de su “Grandiosa interpretación metafísica de la luz”, creó un sistema de colores. Consideró a la luz como la materia prima, y al espacio como una función de ésta, que podía percibirse en 7 colores, entre la lux clara y la lux oscura.
Como artista, su interés por el estudio del color fue completamente práctico. Sólo escribió algunas líneas sobre el tema en su obra Della pittura, en 1435. Él menciona 4 colores básicos, que pueden mezclarse en pares: rojo, que corresponde al fuego; azul, al aire; verde, al agua; y gris, a la tierra.
Leonardo, como pintor, estaba interesado en estudiar los colores y sus mezclas. Reconoció la diferencia entre colores primarios y secundarios. Consideró primarios el blanco, el amarillo, el verde, el azul y el negro.
Utilizó un prisma para separar la luz del día en siete colores. Después unió el extremo violeta con el rojo, para crear un círculo. Los colores que lo conformaron fueron: rojo, naranja, amarillo, verde, cyan, azul ultramarino y violeta.
"Dar color no depende de dónde se ponen los colores, sino de dónde se ponen las luces y las sombras, y todo depende de la forma y el contorno, en dónde se pone eso". William Blake (1757-1827), pintor y poeta.
Creó un diagrama circular en el que los colores primarios (rojo, azul y amarillo) se alternan con colores secundarios (verde, violeta y naranja). El semicírculo del verde, amarillo y rojo se conoce como el lado “más”, y el opuesto es el “menos”. Separó la coloración en categorías separadas: “poderoso”, “suave” y “radiante”.
El proceso de combinar diferentes longitudes de onda de luz a fin de producir colores nuevos, se denomina mezcla aditiva de color.
Su esfera cromática contiene los colores puros alrededor del ecuador, comenzando por los tres primarios de rojo, amarillo y azul. Tres colores mezclados ocupan su lugar en cada espacio intermedio equivalente entre los primarios, mientras el blanco y el negro forman los polos de la esfera. Runge quiso capturar la armonía de los colores, no la proporción de las mezclas. Buscaba traer un sentido de orden a la totalidad de los colores posibles y buscaba un sistema sólido del color.
Diseñó un círculo cromático de 72 partes con los tres colores primarios (rojo, amarillo y azul), además representó tres mezclas de colores secundarios (naranja, verde y el violeta) así como seis mezclas de colores secundarios adicionales. Los sectores resultantes fueron subdivididos en cinco zonas y todos los radios fueron separados en 20 segmentos, para acomodar los diferentes niveles de brillo. Esta fue una de las primeras veces en las que se confrontó el rol activo del cerebro con la formación de los colores y debemos recordarnos, una vez más, que los colores son -también- efectos que son creados en el mundo dentro de nuestras cabezas.
El físico alemán Hermann Grassmann publicó 4 leyes de la manera objetiva de representar el color mediante coordenadas representativas "la sensación" de la luz: 1a Ley Por síntesis aditiva del color es posible conseguir todos los colores percibidos mezclando tres franjas del espectro visible en la proporción de intensidad adecuada, siempre que ninguno de los tres iluminantes o valores elegidos pueda obtenerse por mezcla de los otros dos. 2a Ley: Cualquier radiación cromática que se mezcle aditivamente con otra, puede ser sustituida por otra radiación cromáticamente equivalente. 3a Ley: Como cualquier color puede crearse por síntesis aditiva de colores primarios y al hacer esto sumamos sus respectivas luminancias, podemos deducir que la luminancia de un color cualquiera equivale a la suma de las luminancias de sus componentes primarios. 4a Ley: Ley de la aditividad: Si se suman dos colores cualesquiera obteniéndose otro color resultante, éste podría haberse obtenido también sumando los primarios de cada uno de los colores origen.
"He intentado expresar las terribles pasiones de la humanidad mediante el rojo y el verde."
La primera fotografía con color permanente fue tomada en 1861 por el físico escocés James Clerk Maxwell. Presentó su método en Londres, con la intención de demostrar que cualquier color podía obtenerse mezclando luces de los tres colores primarios.
Londres: Su sistema de color está basado en un cubo. Benson intentó combinar los dos sistemas de mezcla de color: el aditivo y el sustractivo. El cubo es negro en las esquinas y tiene tres bordes que se extienden hacia los colores primarios (rojo, verde y azul). Desde la punta blanca, los bordes conducen al amarillo, verde agua y una esquina rosa.
En 1874, un grupo de artistas llamado “Sociedad Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores” organizó una exposición en París de la cual surgió el movimiento conocido como Impresionismo. Una de las características principales asociadas al impresionismo fue la influencia que tuvo en los artistas la teoría del color basada en el prisma de Newton. Estuvieron influenciados también por los descubrimientos de Rood y Chevreuil. Los colores primarios asociados entre sí de dos en dos dan como resultado el complementario del tercero, pero lo que hicieron los maestros impresionistas fue que, en vez de mezclar los colores en la paleta y en el pincel, colocaron los primarios próximos entre sí, para que fuera el ojo del espectador el que los confundiera y para que se creara en su retina el complementario. Además según la ley de los contrastes simultáneos de Chevreuil, los colores difunden una orla del complementario (así el blanco opuesto al rojo, parece reverdecer), lo que permite crear contrastes cromáticos. Así, si en la pintura tradicional los colores se mezclaban de forma indiscriminada en la paleta, los impresionistas pintaban con colores puros, y los mezclaban directamente en el cuadro, mediante una sutil técnica de juego de colores primarios y complementarios, para que el ojo del espectador generara el color resultante.
"El color lo es todo. Cuando el color es correcto, la forma es correcta” - Marc Chagall (1887 – 1985), artista.
Alemania: 1971, “La interacción del color” Buscó redefinir la educación del arte a través de su desarrollo de la teoría del color. Albers comenzó a experimentar con los colores mientras estudiaba en la Escuela Alemana Bauhaus (1919-33).La teoría del color de Albers se enfocaba en la naturaleza dinámica y cambiante del color en relación con sus contextos: colores nublados y vibrantes cuando se encuentran uno al lado del otro, modificados en su intensidad tonal y con una profundidad en un espacio tridimensional.
Johannes Itten fue maestro de la Bauhaus. Sus estudios sobre las armonías de color son fundamentales. Organizó siete contrastes de color, contenidos en su libro "The art of color".
El inventor británico Edward Turner, fotógrafo y pionero del cine, realizó un experimento basado en un proceso cinematográfico de tres colores que implicaba la captura de cuadros en blanco y negro a través de filtros de color (rojo, azul y verde) gracias a una complicada cámara. Turner logró, en los primeros años del siglo XX, filmar brevísimas películas en colores.
De lo espiritual en el Arte. “El color provoca una vibración psicológica. El color esconde un poder aún desconocido pero real que actúa en cada parte del cuerpo humano”
Surgió en Alemania en concordancia con el Fauvismo francés, y como reacción al Impresionismo. El expresionismo acentuaba o deformaba la realidad para representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse por la realidad externa. Utilizaron el color y la acentuación del trazo para subrayar simbólicamente los distintos estados de ánimo del artista.
Tras un detallado estudio de las teorías del color, Robert Delaunay llegó a la conclusión de que la fuerza y la paradójica realidad de la luz sólo se podía representar pictóricamente a través del color. El propio artista denominó a su método de representación de la luz a través del color con el nombre de simultaneismo. Éste tenía como fin una única preocupación: el empleo en pintura de las teorías científicas del color, concretamente la referida al contraste simultáneo de los colores. Guillaume Apollinaire en 1912 acuñó el término Orfismo para la obra del matrimonio Delaunay. El orfismo reaccionó contra la monotonía cromática del cubismo analítico, reivindicando el papel fundamental del color en la práctica pictórica, según la cual las formas y los colores poseen por sí mismos una especie de poder expresivo independiente de toda referencia a las formas y a los colores de la realidad. El orfismo ejerció gran influencia en la pintura alemana, especialmente en Macke, Marc y Klee, así como en el sincronismo.
Manifiesto Realista (publicado el 5 de agosto de 1920 por Naum Gabo y Antoine Pevsner) "Repudiamos el color como elemento pictórico en la pintura. El color es el rostro idealizado y óptico de los objetos. La impresión exterior es superficial. El color es superficial y no tiene nada en común con el contenido interno de los cuerpos. Proclamamos que el tono interno de los cuerpos, es decir, su sustancia material absorbiendo la luz, es la única realidad pictórica."
Klee se basó para el tratamiento de los colores en las conocidas teorías de Goethe y Runge, pero también en las reflexiones de Robert Delaunay y Vasily Kandinsky. Desde su época en la Bauhaus, primero en Weimar y después en Dessau, cuando con el “curso preparatorio” impartió una especie de formación artística básica, es decir, después de 1921, se ocupó repetidamente de la cuestión de los colores y de sus efectos. "El color me posee. No siempre me poseen. Ese es el significado de esta hora feliz: el color y yo somos uno. Soy un pintor."
"Desde el momento en que comprendo el funcionamiento de la música serial decido aplicar esa noción de lo permutable a un elemento esencialmente pictórico: el color"
"Desde el momento en que comprendo el funcionamiento de la música serial decido aplicar esa noción de lo permutable a un elemento esencialmente pictórico: el color" -Jesús Soto (1923-2005)
Lugar: Estados Unidos Un método basado no en la experimentación pero con la introspectiva que hoy se conoce como “análisis fenomenológico”, la palabra “fenómeno” entendida literalmente como “aparecer”, lo que implica que la distinción debe hacerse entre una aparición y el acontecimiento que proclama tal apariencia. Una pirámide doble con la parte trasera y las extremidades blancas y una base cuadrada con los colores primarios en las esquinas hacen hincapié en los ejes y la interconexión que se entienden hacia todo el eje central, que es de color gris.
Uno de los simbolos mas obvios de los Rastafaris son los colores. Estos son rojo, amarillo, y verde. Estos colores fueron tomados del movimiento Garvey. El color rojo representa la iglesia triunfante la cual es la iglesia de los Rastas. Tambien simboliza la sangre de los martires que han marcado la historia de los Rastas. El amarillo representan la riqueza de su tierra natal. EL verde representa la belleza y la vegetacion de Ethiopia, la tierra prometida. Algunas veces el negro se utiliza para representar el color de los africanos.
"[...] La era artística de los colores y las formas paralíticas toca su fin. El hombre se torna de más en más insensible a las imágenes clavadas sin indicios de vitalidad. Las antiguas imágenes inmóviles no satisfacen las apetencias del hombre nuevo formado en la necesidad de acción, en la convivencia con la mecánica, que le impone un dinamismo constante. La estética del movimiento orgánico reemplaza a la agotada estética de las formas fijas. Invocando esta mutación operada en la naturaleza del hombre en los cambios psíquicos y morales y de todas las relaciones y actividades humanas, abandonamos la práctica e las formas de arte conocidas y abordamos el desarrollo de un arte basado en la unidad del tiempo y del espacio. Concebimos la síntesis como una suma de elementos físicos: color, sonido, movimiento, tiempo, espacio, integrando una unidad físico psíquica. Color, el elemento del espacio, sonido, el elemento del tiempo, y el movimiento que se desarrolla en el tiempo y en el espacio, son las formas fundamentales del arte nuevo, que contiene las cuatro dimensiones de la existencia. Tiempo y espacio."
Yves Klein trabajó con pinturas monocromáticas. A finales de los años 50 se centra en un particular tono de azul al que llamo International Klein Blue o Azul Klein. En la actualidad se le conoce, por las grandes firmas de moda, como azul style o Internacional (IKB)
Irving Sandler, crítico e historiador del arte propuso llamar pintura color-field a la última alternativa del expresionismo abstracto, centrada en el color y sus posibilidades expresivas. Algunos de sus exponentes fueron Gene Davis, Paul Feeley, Mark Rothko, Frank Stella y Keneth Noland.
La socióloga y psicológa aborda la relación de los colores con las asociaciones libres que se producen en el inconsciente humano. Escribe Psicología del color: como actúan los colores sobre los sentimientos y la razón, un libro en el que proporciona gran información sobre el color y su influencia en la experiencia humana, que va desde la mercadotecnia hasta el sentido de la identidad
Sus inicios se remontan al Movimiento Cinético de los años 50 - 60. El desarrollo de su reflexión plástica ha modificado las nociones sobre la percepción del color en el arte. La propuesta de Carlos Cruz-Diez se fundamenta en el color concebido como una realidad autónoma, desprovista de anécdotas, que evoluciona en el tiempo y el espacio reales sin ayuda de la forma y aún sin necesidad de soporte. La proposición artística de Carlos Cruz-Diez se fundamenta en sus ocho investigaciones que ponen de manifiesto los diferentes comportamiento del color: Couleur Additive, Physichromie, Induction Chromatique, Chromointerférence Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope y Couleur dans l’espace.
Las observaciones de Hesselgren no sólo contribuyen al sistema NCS (NCS), sino que también ayudaron en el desarrollo de tablas de color que están destinados a ser utilizados por los arquitectos y otros grupos de profesionales involucrados en el diseño interior y exterior. El punto de inicio para el sistema es la observación de que cada impresión de color puede surgir a través de la percepción de los seis colores elementales: blanco, negro, amarillo, rojo, verde y azul.
"El pintor del futuro será un colorista de una clase nunca antes vista..." Klein estaba fascinado por ideas místicas, como nociones de lo infinito, lo inefable y lo absoluto. Su uso de un único tono azul (conocido como Color Klein International) puede verse como un intento de liberar al espectador de todas sus ideas impuestas, de sus prejuicios, para dejar su mente expandirse. Para Klein, las líneas en los cuadros creaban una especie de cárcel, mientras que sólo el color ofrecía el camino a la libertad.
Creado en París en 1961 por los artistas egresados del Centro de Investigaciones de Artes Visuales (García-Rossi, Le Parc, Morellet, Sobrino, Stein, Yvaral), el G.R.A.V replanteó las relaciones tradicionales entre el arte, los artistas y la sociedad. El desarrollo plástico de esta reflexión, que se acompañó de encuestas, manifiestos y tratados, es una investigación sobre el movimiento, el volumen y la estructura a partir de materiales contemporáneos (plásticos, metales, neón, etc). Participaron en varias exposiciones importantes: Mouvement (Stockholm, 1961); Documenta III (1964); Sigma II (1966) et Lumiêre et Mouvement (París, 1967).
1962: Relevos espaciales, Núcleos y Parangolés: liberación del color en tiempo y espacios reales; transición del color de la pintura al espacio. 2007: exposición “The body of colour” en Tate Modern. Oticica fue uno de los artistas brasileños más innovadores de su generación, que ha sido reconocido como una figura importante en el desarrollo del arte contemporáneo. Uno de sus principales logros fue su uso original e instransigente del color. En su obra, el color es liberado del plano para darle una forma espacial en diversas series de trabajos, que incluyen pinturas suspendidas y relieves, objetos escultóricos, entornos penetrables y “pinturas habitables”— capas, tiendas de campaña y banners diseñados para ser habitados o llevarlos puestos al moverse al ritmo de la samba.
El objetivo de este acuerdo es proporcionar tanto técnica como artísticamente ayuda a los arquitectos involucrados en el diseño ambiental de color. Según su inventor húngaro, ningún sistema de color contemporáneo había cumplido con los requisitos establecidos para la planificación de color. Como diseño, el sistema Coloroid opera con los tres parámetros de color, matiz y saturación de brillo. Un cilindro se crea alrededor de un círculo de 48 partes, el parámetro de brillo asigna su altura. El principio rector del sistema es mostrar la «distancia estética» entre los colores como ser uniforme.
En 1963, Lawrence Herbert, el fundador de Pandote, creo un innovador sistema para identificar, igualar y comunicar colores para resolver los problemas asociados a la producción exacta del color en la comunidad de artistas gráficos. Su idea de que el espectro es visto e interpretado de manera diferente por cada individuo condujo a la innovación del PANTONE MATCHING SYSTEM ®, un libro de color estandarizado.
El término “Op art” puede haber sido utilizado por primera vez por el artista y escritor Donald Judd, en la reseña de la exposición de “Pinturas Ópticas” de Julian Stanczak. Su origen es muy antiguo, y pueden verse sus raíces en las teorías de arte y del color del siglo XIX, en los escritos de Goethe sobre el color y particularmente en las pinturas “Neoimpresionistas” de George Seurat. El estilo que ahora conocemos como Op Art surgió del trabajo de Victor Vassarely, que fue uno de los primeros en explorar los efectos inusuales que algunos dibujos de los años treinta tenían en la percepción. Otros grupos lo utilizaron, como Le Mouvement en la galería Denise Rene en París en 1955, y más tarde por una serie de exhibiciones internacionales que exploraban esta “nueva tendencia”.
En 1965, entre el 23 de febrero y el 25 de abril, estuvo en exhibición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) una exposición llamada “The responsive eye” (“El ojo receptivo”), creada por William C. Seitz. Los trabajos que se mostraban en ella incluían el minimalismo de Frank Stella y Ellsworth Kelly, la suave plasticidad de Alexander Liberman, y los esfuerzos colaborativos del grupo Anonima, junto al célebre Victor Vassarely, Richard Anuszkiewicz, y Bridget Riley. La exposición se enfocaba en los aspectos perceptuales del arte, que resultan tanto de la ilusión de movimientos y la interacción de relaciones entre los colores.
Müller se esforzó hacía . Una obra del mismo título publicada en 1973 contiene una colección de 200 cuadros que supuestamente muestran las relaciones fundamentales de los colores. El orden de la estructura surge a través de la disposición de los triángulos de igual color -color común- en torno a un eje de escala de grises.
Sale el octavo disco de Pink Floyd, probablemente la portada más reconocida de un grupo en la actualidad.
True Blue is the third studio album by American singer-songwriter Madonna. The album cover was shot by photographer Herb Ritts.
Italia: Los colores pueden cambiar: se puede transformar, ya que pueden llegar a ser más brillantes o más oscuros, o acercarse al blanco o al negro. Pueden llegar a ser más transparentes o reflectantes. El propósito del sistema de color italiano CMN-86 que data de 1986 fue hacer un registro visual de cómo y por qué los colores aparecen, cambian y desaparecen. La base de la construcción es un tetraedro. Este único tetraedro se puede combinar con otros y así despejar el camino para la gama completa de modelos espaciales necesarios, no sólo para expresar el origen de todos los colores, sino también para reflejar las intenciones del observador.
A partir del año 1992 a 2000 Alyda De Villers empezo a estudiar e investigar el uso de la geometría fractal en el espacion pictórico
Disco como solista. Tanto las canciones como el diseño de arte en el CD, parecen estar influenciados por el "color amarillo" y tonalidades cercanas.
Performance art sobre la saturación del color Rojo. En Rojo todo se mueve, excepto el color explorado en todos sus matices. Las cosas embullen y abundan. Sobre el escenario, la saturación del color de la sangre, de la vergüenza, de la emoción y la revolución, se convierte en alucinación, en una crisis incesante que genera la multiplicación de objetos: ropa, comida, baratijas, gafas . Bajo el color bermellón los movimientos de la artista frente a un pimiento rojo incorporan al cuerpo las diferentes posibilidades del color y lo convierten en material orgánica: sangre, arañazos, asfixia, gritos, llevandolo a una amplia vision reinventada del mundo bajo el signo de color rojo. Para el espectador, es más bien una variante de la imagen de su propio interior, donde sus miedos, fantasíasy los deseos se proyectan. Debido a que el color rojo sigue siendo el color diabólico en el que todo se revela. Reseña obtenida del programa de mano del festival Transversales México, 2012.
NORMA ASCENCIO (artista visual) inicia un estudio a fondo sobre la creación de mandalas y su aplicación arteterapéutica, centrando la misma en la importancia del color y la forma dentro de esta forma de expresión. A partir de ahí creó una serie de talleres arteterapéuticos y meditativos.
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